Con te con tutto — Padiglione Italia | Biennale Arte 2026

WEEKEND 1
26–28 giugno 2026
Il selvatico, l’onirico e il disastroso
Tese delle Vergini, Arsenale; Forte Sant’Andrea; Ocean Space

con: Giorgio Andreotta Calò, Giorgiomaria Cornelio, Ilaria Gianni, Annalisa Metta, Roberto Paci Dalò
in collaborazione con: Accademia di Belle Arti Venezia, Arcicoro (Circolo Arci Franca Trentin Baratto), Dottorato di ricerca in Architettura Città Paesaggio – Università Roma Tre, Microclima, NICHE Centre for Environmental Humanities (Università Ca’ Foscari Venezia)

Nel primo appuntamento il programma pubblico esplora il sogno come spazio generativo in cui elaborare un nuovo vocabolario per immaginare e costruire la realtà. La voce in forma di poesia e canto si configura come pratica dialogica e comunitaria: le voci individuali si intrecciano in un corpo collettivo. A questa prospettiva si affianca una riflessione sul paesaggio come entità ambigua e ibrida – non uno sfondo inerte, ma presenza viva che interroga i nostri modi di guardare quello che ci circonda. Il selvatico e l’ibrido emergono come categorie produttive per pensare le città e le nature che abitiamo.

WEEKEND 2
25–26 settembre 2026
Le diverse forme di intelligenza
Tese delle Vergini, Arsenale

con: Angelika Burtscher, Cecilia Canziani, Felice Cimatti, Valentina Karga, Esther Kinsky, Daniele Lupo, Jacopo Miliani, NERO con Cora Baratti e Giulia Currà (Salotto delle Preziose)

in collaborazione con: Staatliche Hochschule für Gestaltung (HfG) Karlsruhe e Università Iuav di Venezia – Corso di Arti Multimediali

Il secondo appuntamento propone un riavvicinamento al mito, al rituale, ai saperi arcaici e all’intelligenza oltre umana come forme alternative di conoscenza. Una polifonia conoscitiva che attraversa la voce, i corpi e la materia, aprendo spazi di resistenza alle narrazioni univoche e autoritarie. In questo orizzonte, la conoscenza viene intesa come un dispositivo in grado di aprire prospettive controintuitive e di rimettere in discussione ciò che appare ovvio, un decentramento della ragione per conoscere il mondo da angolazioni plurali.

WEEKEND 3
29–31 ottobre 2026
Pratiche vocali e narrazioni collettive
Tese delle Vergini, Arsenale

con: Mirene Arsanios, Sara Basta, Adriana Cavarero, Cecilia Canziani, Felice Cimatti, Wissal Houbabi, Manuela Pacella, Francesco Ventrella

in collaborazione con: Accademia di Belle Arti Venezia e Accademia di Belle Arti di Roma; NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, campus di Roma; Spazio Punch

Il terzo e ultimo fine settimana del programma pubblico esplora la voce come manifestazione corporea e creazione di spazio comunitario, strumento di memoria oltre i confini linguistici e culturali. La voce non è mai neutra né universale, ma singolare e relazionale: espone l’unicità di chi parla e chiama in causa l’ascolto dell’altro. Il programma indaga come pratiche vocali storiche e memorie si trasmettano nel tempo diventando nuova narrazione collettiva – le voci del passato si sintonizzano con quelle del presente, portate da chi abita la diaspora. A questa esperienza si affianca un invito aperto alla città: tradurre in parole le voci del presente, per trasmetterle di corpo in corpo verso il futuro.

Il volume è concepito come un’antologia composta da immagini e testi che si alternano liberamente mostrando la contiguità di temi, suggestioni e idee che circolano nella pratica dell’artista e nella mostra. Questa alternanza si traduce anche a livello visivo attraverso un continuo cambio carta tra sedicesimi su carta naturale materica, di colore turchese, e carta bianca liscia e lucida. Come la mostra, anche il volume è infatti concepito come una polifonia, capace di restituire, attraverso le tante voci che lo compongono, l’esperienza del Padiglione. Anche il layout è strutturato attraverso due griglie principali che vengono interrotte da una linea orizzontale che mostra la sezione dei Dialoghi, sviluppandosi da un margine all’altro del libro. La sequenza delle immagini fotografiche invece si compone come un dialogo tra immagini di opere, exhibition view e quello che l’artista definisce ‘materia’ ovvero frammenti di immagini che hanno contribuito alla creazione delle opere stesse. In questo modo, le immagini sono disposte liberamente nel libro, ma partendo sempre dal centro verso l’esterno.

Il volume è pensato per essere portato facilmente con sé e consultato durante e dopo la visita. Un manuale d’uso, dove scrivere e prendere note a margine. La copertina è anch’essa libera dal blocco del libro, non è incollata, ma si appoggia su di esso e lo contiene. Il design della copertina accoglie le tracce di ogni lettrice e lettore grazie all’utilizzo di vernice termocromatica che reagisce al calore. I gesti che ognuna e ognuno di noi lascia si aggiungono a quelli dell’artista e di tutti coloro che hanno contribuito al catalogo.

Un libro che si trasforma non solo in relazione all’ambiente in cui si trova, ma anche attraverso le mani tra cui viaggia.

Nei formati di grande scala – poster, banner, spazio pubblico – il titolo si espande fino ad assumere una presenza scultorea; nei formati digitali e dinamici il logotipo assume una forma più agile e leggera, fino a diventare movimento. Il logotipo è uno spazio dinamico e relazionale, che entra in dialogo con gli elementi che lo circondano, in linea con la natura del progetto espositivo proposto.

La scelta tipografica del progetto si articola su due caratteri di cui uno principale, usato nel logotipo e nei testi che contestualizzano il lavoro dell’artista Chiara Camoni e uno secondario destinato ai testi delle altre voci coinvolte e parti di raccordo più narrative. Nei visual i testi sono in leggero e costante movimento rinnovandosi al ritmo di un passo lento e presente.

La parte visiva che fa da sfondo alla parte informativa e tipografica riprende il tema del gesto e delle impronte raccolte in un’azione collettiva che ha coinvolto tutto il gruppo di lavoro del padiglione. Inoltre i visual richiamano il tema della materia attraverso la scelta cromatica degli sfondi sviluppati per i vari strumenti della comunicazione: sono ispirati a pattern di materia cangiante – terra, fuoco, acqua – e al grigio-bruno ricorrente nelle opere. Quale somma di tutti i colori e tonalità il  grigio-bruno sfugge a una chiara lettura per farsi invece specchio di una vibrazione in cui riconoscere tutte le parti che lo compongono. Anche questi elementi sono attraversati dal movimento, come luci che si muovono per lasciare spazio a relazioni sempre diverse.